A Rusia, con asnos y otros, pintada en 1911, es una obra importante de los inicios de la carrera de Marc Chagall, que demuestra su amor por su patria y su distintiva visión artística. La pintura presenta varios elementos que reflejan la vida y las experiencias de Chagall en Rusia, incluidos un burro, una vaca y un grupo de aldeanos.
Estos temas están representados de una manera expresiva e imaginativa, combinando elementos del cubismo, el fauvismo y el arte popular. Los colores brillantes, la composición dinámica y las formas divertidas de la pintura evocan un sentimiento de nostalgia y afecto por la cultura nativa de Chagall. A Rusia, con culos y otros es un testimonio del estilo innovador del artista y su profundo apego a su tierra natal.
Vaca con sombrilla, pintada en 1946, es una pintura caprichosa y encantadora de Marc Chagall que muestra su lenguaje artístico único y su amor por los animales. En esta pieza, se representa una vaca sosteniendo una sombrilla, rodeada de flores vibrantes y un paisaje de ensueño. La vaca, símbolo recurrente en la obra de Chagall, representa la fertilidad, la vida y la abundancia. Los colores atrevidos, los elementos fantásticos y la composición divertida de la pintura son característicos del encantador estilo visual de Chagall.
Vaca con sombrilla sirve como ejemplo de la capacidad del artista para crear escenas mágicas y oníricas que cautivan al espectador y lo invitan a un mundo de imaginación y asombro.
Homenaje a Apollinaire, pintado por Marc Chagall en 1911, rinde homenaje al poeta francés Guillaume Apollinaire, amigo cercano del artista y figura influyente en la escena de vanguardia parisina. Esta obra captura la exploración temprana de Chagall del cubismo y el fauvismo, evidente en la composición fragmentada y las atrevidas elecciones de colores.
La pintura presenta varios retratos de Apollinaire y otros artistas parisinos, así como un autorretrato de Chagall. La inclusión de estas figuras significa la importancia de la camaradería artística y la admiración mutua entre la comunidad de vanguardia, destacando el aprecio de Chagall por la amistad y el apoyo de Apollinaire.
Autorretrato con siete dedos, creado en 1913, es una pintura llamativa y altamente simbólica de Marc Chagall. En esta obra, Chagall se retrata a sí mismo con una mano extendida con siete dedos, un elemento surrealista que se suma a la atmósfera enigmática de la pintura. La obra es rica en simbolismo personal y hace referencia a la herencia judía rusa de Chagall y su vida en París.
La Torre Eiffel al fondo representa la conexión del artista con la ciudad, mientras que la escena del pequeño pueblo en la parte superior izquierda evoca su ciudad natal, Vitebsk. Los siete dedos pueden simbolizar la destreza y habilidad de Chagall como artista o referirse a la creencia mística judía en el poder de los números.
Yo y el pueblo, pintada en 1911, es una de las primeras obras más famosas de Marc Chagall, que muestra su fusión única de cubismo, fauvismo y elementos del arte popular ruso. La pintura es una celebración de la infancia de Chagall en el pueblo bielorruso de Vitebsk y su profunda conexión con la vida y las tradiciones rurales. La composición está llena de colores vibrantes, imágenes fantásticas y escenas de ensueño, en las que aparecen un hombre de cara verde, una vaca y varios elementos del pueblo.
A través de esta pieza, Chagall transmite la armonía entre los seres humanos y la naturaleza, y la importancia de las raíces culturales en la configuración de la propia identidad.
Crucifixión blanca, pintada en 1938, es una obra poderosa y emotiva de Marc Chagall, que reflexiona sobre la persecución de los judíos en Europa durante el aumento del sentimiento antisemita que condujo a la Segunda Guerra Mundial. La pintura reinterpreta la imaginería cristiana tradicional de la crucifixión, colocando a Jesús en un chal de oración judío e incorporando símbolos judíos como los rollos de la Torá y la Menorá.
Alrededor de la figura central hay escenas de violencia y destrucción, con refugiados judíos huyendo de sus hogares en llamas. A través de esta obra, Chagall enfatiza el sufrimiento compartido tanto de cristianos como de judíos, pidiendo compasión y comprensión frente al odio y la violencia.
La boda | 1944
La boda, pintada por Marc Chagall en 1944, es una celebración del amor, el matrimonio y la felicidad que conlleva. La pintura muestra el estilo único de Chagall, combinando imágenes oníricas y surrealistas con colores llamativos y motivos caprichosos. En esta pieza, los novios aparecen flotando sobre un pueblo bullicioso, rodeados de músicos, animales y otros invitados a la boda.
La pareja levitando simboliza la naturaleza trascendente del amor y la experiencia mágica y alegre de una boda. A través de esta pintura, Chagall logra transmitir las profundas emociones, tradiciones y aspectos culturales inherentes a un acontecimiento vital tan significativo.
El ángel que cae, creada en 1947, es una pintura inquietante y enigmática de Marc Chagall que encarna la reacción del artista ante los horrores de la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto. La pintura presenta a un ángel cayendo del cielo, rodeado de un paisaje caótico y apocalíptico. Los colores vivos y las imágenes surrealistas evocan una sensación de desesperación y pérdida, y simbolizan la profunda devastación experimentada por la comunidad judía durante la guerra.
El ángel que cae sirve como un conmovedor recordatorio de la tragedia y el sufrimiento que soportan millones de personas, así como un testimonio de la capacidad artística de Chagall para transmitir profundas emociones y significado a través de su trabajo.
La Mariée, pintada en 1950, es una composición romántica y onírica de Marc Chagall que celebra el amor y el matrimonio. La pintura presenta a una novia, adornada con un ramo vibrante y rodeada de flores coloridas, animales y otros elementos caprichosos. Las figuras flotantes y las imágenes surrealistas son características del estilo característico de Chagall, evocando una sensación de ingravidez y encanto. La Mariée es un testimonio de la capacidad de Chagall para capturar la magia y la alegría de los momentos más preciados de la vida, y sigue siendo una obra querida e icónica en su obra.
Le marchand de bestiaux (El comerciante de ganado), creada en 1912, es una de las primeras obras maestras de Marc Chagall que refleja su fascinación por la vida rural de su Vitebsk natal. La pintura muestra a un comerciante de ganado, símbolo de prosperidad y abundancia en la obra de Chagall, rodeado de una animada escena de pueblo. 
Caballo de circo, pintada en 1964, es una obra caprichosa y vibrante de Marc Chagall que muestra su amor por el circo y sus artistas. La pintura presenta un caballo encabritado, una figura de gracia y agilidad, rodeado por una colorida variedad de acróbatas, payasos y otros personajes del circo. El uso que hace Chagall de colores llamativos, imágenes oníricas y líneas fluidas evocan la energía, la emoción y el espectáculo del circo. Caballo de circo sirve como un alegre tributo al mundo del espectáculo y el entretenimiento, encarnando la combinación característica de fantasía y realidad de Chagall.
Judío en blanco y negro, creada en 1914, es una pintura sorprendente e introspectiva de Marc Chagall que explora temas de identidad, religión y herencia cultural. La pintura representa una figura solemne, vestida con el traje tradicional judío, de pie ante un fondo blanco y negro. El marcado contraste entre el sujeto y el fondo resalta la resiliencia y la fuerza del individuo frente a la adversidad. 
Ventanas de América, creada en 1977, es una impresionante serie de vidrieras diseñadas por Marc Chagall para el Instituto de Arte de Chicago. Las ventanas fueron creadas como un homenaje a los Estados Unidos y su compromiso con la libertad cultural y religiosa. Los colores vibrantes característicos de Chagall y las imágenes oníricas se emplean magistralmente en las ventanas, representando temas de amor, paz y las artes. 
Las puertas del cementerio, pintada en 1917, es una obra conmovedora y evocadora de Marc Chagall que explora temas de la vida, la muerte y el paso del tiempo. La pintura muestra a una pareja parada a la entrada de un cementerio, con rostros solemnes e introspectivos, mientras contemplan su mortalidad.
El uso que hace Chagall de colores apagados y tonos sombríos crea una atmósfera melancólica, mientras que la inclusión de elementos como el violinista y el gallo añade un toque de fantasía característico del artista. La obra sirve como una meditación sobre la fragilidad y la impermanencia de la vida, invitando a los espectadores a reflexionar sobre el paso del tiempo y el ciclo de la existencia.
Fuente de las imágenes: Musée d'art et d'histoire du Judaïsme, HarshLight, Bernard Blanc, Tony Roberts, Matt Dertinger, mookiefl, Frans Vandewalle, Jim Forest, Gandalf's Gallery, Frans Vandewalle, cea +, Sharon Mollerus
