Analizando 6 Décadas De Evolución Estilística De David Hockney

Molino de sal, en Saltaire, Yorkshire​, 1997/Fuente

La mayoría de las primeras obras de Hockney son autobiográficas; trata temas como su sexualidad y los retratos de sus seres queridos. Este periodo se caracteriza por unas líneas prominentes y una paleta de colores humilde. Su obra presenta líneas gruesas y pinceladas visibles que recuerdan a los impresionistas. Hockney experimenta con los retratos, la pintura de paisajes y la pintura abstracta. Antes de la década de 1960, Hockney utiliza estrictamente pinturas al óleo. Se nota la influencia del clima británico en su paleta de colores, que crea una atmósfera clásica oscura, fría, húmeda y pesada. 

Al pasar a los años 60, Hockney amplía su paleta artística. Esta década marca gran parte de su futura carrera y supone su gran irrupción como artista reconocido. El año 1964 marca su primera visita a California. La influencia de este viaje en Hockney es visible en todos los medios de expresión artística: paleta de colores, elección del medio y técnica. Su estilo se vuelve mucho más brillante. El ambiente es limpio, iluminado, elegante y agradable. Crea composiciones satisfactorias, armoniosas y serenas, muy agradables a la vista.

Comienza a explorar el movimiento del agua y cómo afecta a la luz y la sombra dibujando piscinas, el tema con el que más se le asocia. Durante esta década, Hockney disfruta creando retratos dobles de sus seres queridos (rara vez aceptaba encargos). La mayoría de sus obras de esta época son figurativas, y los sujetos son muy plásticos y tridimensionales, transmitiendo un realismo sobrio y quieto. Sin embargo, aún podemos ver algunas obras abstractas con influencias del antiguo Egipto gracias a su viaje a las tumbas de este país.

Al pintar arquitectura durante esta década, Hockney utiliza una técnica de bloqueo de color con acrílicos. En aquella época, la pintura acrílica era un medio nuevo para los artistas. A Hockney le pareció mucho mejor que la pintura al óleo, ya que se seca más rápido. Fue uno de los primeros artistas en utilizar este medio.

Con dos metros cuadrados, " Una salpicadura más grande" es el mayor de la serie de tres cuadros de salpicaduras: " La salpicadura", "Una pequeña salpicadura" y "Una salpicadura más grande". Los dos primeros se terminaron en 1966, y el último en 1967, mientras Hockney daba clases en la Universidad de California.
De los tres cuadros de salpicaduras, " Una salpicadura más grande" es el único que no muestra a una persona, sino que sólo insinúa su presencia a través de la propia salpicadura. Según Hockney, el verdadero tema del cuadro es la fracción de segundo del chapoteo, congelada para siempre en el lienzo.

Hockney eligió utilizar pintura acrílica para la serie de salpicaduras. Fue uno de los primeros artistas en utilizar ampliamente este medio, que encaja a la perfección con su flujo de trabajo: primero colocaba grandes bloques de color planos para representar el fondo arquitectónico y luego añadía detalles con un pincel más pequeño encima.

La idea de un movimiento fugaz congelado en el tiempo fascina a Hockney. La contradicción entre un chapuzón de la vida real que dura una fracción de segundo y las dos semanas que tardó en pintarlo es lo que hace de " Una salpicadura más grande " una obra de arte tan interesante. Hockney utilizó pinceles finos e innumerables pinceladas para crear el chapoteo en sí, que es el objeto más brillante del cuadro.

Las enormes medidas del cuadro lo hacen casi de tamaño natural. De pie frente a él, casi podemos imaginar que somos los siguientes en saltar a la piscina. Está lleno de luz e irradia el glamuroso ocio característico de los años sesenta. También hay que destacar que la imagen procede en parte de una fotografía que Hockney descubrió en un libro sobre piscinas. Esto marca el inicio de la fascinación de Hockney por la fotografía, que crecerá y se manifestará en sus obras durante la década de 1980. 

Los años 80 marcan la década de la exploración fotográfica en la carrera de Hockney. El artista utilizó las fotografías desde muy temprano en su carrera, pero principalmente como referencias. Al profundizar en su búsqueda artística, comenzó a utilizar la fotografía como medio para crear collages que exploran múltiples puntos de vista y perspectivas en un intento de capturar e imitar la visión humana.

Durante esta década, todo el realismo en el arte de Hockney queda atrás en favor de perspectivas deformadas y una percepción onírica del espacio con composiciones dinámicas. Sus temas son las personas y la arquitectura, y se pueden apreciar las influencias de Picasso y Van Gogh en el uso que hace Hockney del cubismo y las pinceladas onduladas. En los cuadros de esta década, Hockney vuelve a pintar al óleo.

Billie + Audrey Wilder, Los Angeles, Abril 1982/Fuente

El método de Hockney para unificar el cubismo y la fotografía consiste en crear collages de Polaroids, o joiners, como él los llamaba. La obra "Billie + Audrey Wilder" demuestra a la perfección la interpretación que Hockney hace del cubismo: cada Polaroid ofrece una perspectiva diferente, mientras que juntas crean una imagen, aunque un poco desorientada. Hockney explica: "Los Joiners estaban mucho más cerca de la forma en que realmente miramos las cosas, más cerca de la verdad de la experiencia.“ (Fuente)

Otro famoso collage fotográfico de esta década es "Pearblossom autopista", compuesto por no menos de 850 fotografías. Cada objeto se fotografió directamente a la altura de los ojos y luego se colocó en perspectiva.

Durante la década de 1990 y principios de la de 2000, Hockney redujo gradualmente su paleta de colores, experimentando con panorámicas abstractas y algunos estudios de naturalezas muertas, hasta que volvió a pintar principalmente escenas impresionistas de la naturaleza al aire libre. Exploró diferentes movimientos con el pincel para representar cómo cambia la luz durante el día y el cambio de las estaciones. 

Poco a poco, Hockney va ampliando sus cuadros hasta alcanzar un tamaño monumental. Muchas de sus obras de esta época están divididas en hojas de cuatro o seis lienzos. El año 2007 marca la creación de "Bigger Trees Near Warter" "Árboles más grandes cerca de Warter", 2007-11, su mayor obra hasta la fecha, que mide casi 15x40 pies. Este cuadro se compone de 50 lienzos unidos de una manera que recuerda a sus carpinterías de los años 80. El tema es el cambio de las estaciones en su ciudad natal.

Bigger Trees Near Warter - Árboles más grandes cerca de Warter, 2007-11, 2007-2011/Fuente

Estas dos décadas pueden definirse como el canal de nacimiento hacia el arte digital. En 2010, Hockney comenzó a crear arte digital en su iPhone y iPad. Sus creaciones para el iPhone son principalmente bocetos rápidos, estudios de luz y algunos retratos. El estilo general se caracteriza por las líneas gráficas.

Las creaciones que hizo en su iPad son un poco más profundas, y el estilo se correlaciona bien con las creaciones que hizo en lienzo durante esta década. En ambos medios, podemos ver una ampliación de la paleta de colores y el uso de colores cálidos de nuevo. El rojo y el azul son los tonos dominantes. Los temas principales durante la década de 2010 son la arquitectura y la naturaleza. Utiliza lienzos en forma de hexágono para crear perspectivas irreales. Cada lienzo es una extravagancia de color. Las pinceladas son gruesas y visibles.

El arte del iPad de Hockney se desarrolla principalmente en torno a los retratos y al estudio de la luz, la transparencia y las superficies reflectantes. Explora todos los aspectos de este nuevo medio, utilizando diferentes pinceladas. Puntos, líneas suaves y ásperas, y pinceles gruesos y finos se unen para crear pinturas excepcionalmente dinámicas. También podemos ver una exploración de la textura a través del arte digital. Hockney crea texturas muy plásticas y realistas, demostrando que el medio no importa mientras el artista sea lo suficientemente hábil.

Trabaja de la misma manera que cuando utiliza acrílicos, primero colocando bloques de color y luego colocando los detalles con pinceles más finos encima. La principal diferencia entre sus obras acrílicas y digitales es la elección de Hockney del "pincel". En sus obras digitales, muestra unas líneas más gráficas que en el lienzo.

El iPad como medio artístico se adapta al flujo de trabajo de Hockney como un guante. Es fácilmente transportable, lo que encaja bien con su estilo de vida nómada. Al igual que fue uno de los primeros artistas en adoptar la pintura acrílica, ahora está de nuevo a la vanguardia de la exploración artística, convirtiéndose en uno de los primeros artistas de la generación anterior en adoptar y crear arte digital.

Durante el primer año de COVID-19 en Normandía, creó una obra digital de varios paneles que se mostró al año siguiente en una exposición en París. Puedes ver un detalle de la misma aquí:

Detalle de "Un año en Normandía " 2020-2021/Fuente

Fuente: Tate, Britannica, Tate kids, Hockney.com