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Analizando 6 Décadas De Evolución Estilística De David Hockney

El Redactor: Sandra F.
 

David Hockney (nacido en 1937) es un artista inglés. Se centra en la pintura, pero su impresionante currículum también incluye la realización de borradores, grabados, diseños escénicos para la ópera y el ballet, y la fotografía.

Hockney prefiere los paisajes y los retratos, y puede describirse como un artista viajero, ya que pinta en muchos lugares del mundo. Se le considera uno de los artistas británicos más influyentes del siglo XX, y debe la mayor parte de su fama al movimiento del arte pop de los años sesenta.

En este artículo, analizaremos la evolución estilística de David Hockney década a década para ver cómo hizo la transición de las pinturas al óleo en los años 50 al arte digital de 2022, utilizando finalmente el iPad como un medio artístico más en su caja de herramientas. 


Índice de contenidos

Datos Interesantes
Biografía
Análisis a La Evolución De Sus Estilo    
Pinturas De Pscinas
Salpicadura Más Grande
Retratos
Fotografía

Transiciones a La Pintura Digital

Retrato de un artista (piscina con dos figuras), 1972/Fuente
Para medir  la fama de Hockney, he aquí algunos datos interesantes sobre el artista:
⁃ La exposición más completa de Hockney en el Museo Tate en 2017 se convirtió en la exposición más visitada en ese lugar.
 ⁃ Al año siguiente, vendió el "Retrato de un artista (piscina con dos figuras)" en una subasta por más de 90 millones de dólares.
 Durante un tiempo, ostentó el récord mundial del cuadro más caro vendido por un artista vivo.
 "Retrato de un artista" es el cuadro más caro de Hockney hasta la fecha.
 ⁃ En 2012, Hockney fue nombrado por la reina Isabel II miembro de la orden del mérito, un grupo de no más de 24 miembros que han destacado con logros extraordinarios en los campos de la literatura, la ciencia, el arte o el servicio público.

Una pequeña biografía 

Salts Mill, Saltaire, Yorkshire, 1997

Molino de sal, en Saltaire, Yorkshire​, 1997/Fuente

Hockney estudió en el Bradford College of Art (1953-1957) y en el Royal College of Art de Londres (1959-1962). El artista habla con entusiasmo de sus años en la escuela, afirmando que disfrutó de la mayor parte de su tiempo allí.
Hockney dio clases en las universidades de Iowa, Colorado y California. Tras varios años viajando entre Estados Unidos y el Reino Unido, finalmente se instaló en Los Ángeles en 1978. Se sintió atraído por el fuerte contraste entre luces y sombras, el clima agradable, la atmósfera serena y los vivos colores de la ciudad. A lo largo de su carrera, se puede observar la preocupación del artista por la luz y cómo afecta al color, así como la influencia del arte pop y la fotografía en sus obras.

 La evolución del estilo de  Hockney's 

George Lawson y Wayne sleep, 1972-5

George Lawson and Wayne Sleep, 1972-1975/Fuente

La mayoría de las primeras obras de Hockney son autobiográficas; trata temas como su sexualidad y los retratos de sus seres queridos. Este periodo se caracteriza por unas líneas prominentes y una paleta de colores humilde. Su obra presenta líneas gruesas y pinceladas visibles que recuerdan a los impresionistas. Hockney experimenta con los retratos, la pintura de paisajes y la pintura abstracta. Antes de la década de 1960, Hockney utiliza estrictamente pinturas al óleo. Se nota la influencia del clima británico en su paleta de colores, que crea una atmósfera clásica oscura, fría, húmeda y pesada. 

Al pasar a los años 60, Hockney amplía su paleta artística. Esta década marca gran parte de su futura carrera y supone su gran irrupción como artista reconocido. El año 1964 marca su primera visita a California. La influencia de este viaje en Hockney es visible en todos los medios de expresión artística: paleta de colores, elección del medio y técnica. Su estilo se vuelve mucho más brillante. El ambiente es limpio, iluminado, elegante y agradable. Crea composiciones satisfactorias, armoniosas y serenas, muy agradables a la vista.

Comienza a explorar el movimiento del agua y cómo afecta a la luz y la sombra dibujando piscinas, el tema con el que más se le asocia. Durante esta década, Hockney disfruta creando retratos dobles de sus seres queridos (rara vez aceptaba encargos). La mayoría de sus obras de esta época son figurativas, y los sujetos son muy plásticos y tridimensionales, transmitiendo un realismo sobrio y quieto. Sin embargo, aún podemos ver algunas obras abstractas con influencias del antiguo Egipto gracias a su viaje a las tumbas de este país.

Al pintar arquitectura durante esta década, Hockney utiliza una técnica de bloqueo de color con acrílicos. En aquella época, la pintura acrílica era un medio nuevo para los artistas. A Hockney le pareció mucho mejor que la pintura al óleo, ya que se seca más rápido. Fue uno de los primeros artistas en utilizar este medio.

 Sobre piscinas

a bigger splash, 1967
Una salpicadura más grande, 1967/Fuente
Como se ha dicho, uno de los temas con los que David Hockney está estrechamente relacionado es el de las piscinas. Entre 1964 y 1971, realizó una serie de cuadros de piscinas, explorando el movimiento y la transparencia del agua. En cada nuevo cuadro de piscina, Hockney intentaba un método diferente de retratar el agua, desde líneas gráficas hasta sutiles pinceladas realistas.
Algunas de sus obras más famosas son de esta época, como "Retrato de un artista" y "Una salpicadura más grande", su obra más famosa. 
¿Qué es lo que hace a "Una salpicadura más grande" una obra de arte profunda?

 

Con dos metros cuadrados, " Una salpicadura más grande" es el mayor de la serie de tres cuadros de salpicaduras: " La salpicadura", "Una pequeña salpicadura" y "Una salpicadura más grande". Los dos primeros se terminaron en 1966, y el último en 1967, mientras Hockney daba clases en la Universidad de California.
De los tres cuadros de salpicaduras, " Una salpicadura más grande" es el único que no muestra a una persona, sino que sólo insinúa su presencia a través de la propia salpicadura. Según Hockney, el verdadero tema del cuadro es la fracción de segundo del chapoteo, congelada para siempre en el lienzo.

Hockney eligió utilizar pintura acrílica para la serie de salpicaduras. Fue uno de los primeros artistas en utilizar ampliamente este medio, que encaja a la perfección con su flujo de trabajo: primero colocaba grandes bloques de color planos para representar el fondo arquitectónico y luego añadía detalles con un pincel más pequeño encima.

La idea de un movimiento fugaz congelado en el tiempo fascina a Hockney. La contradicción entre un chapuzón de la vida real que dura una fracción de segundo y las dos semanas que tardó en pintarlo es lo que hace de " Una salpicadura más grande " una obra de arte tan interesante. Hockney utilizó pinceles finos e innumerables pinceladas para crear el chapoteo en sí, que es el objeto más brillante del cuadro.

Las enormes medidas del cuadro lo hacen casi de tamaño natural. De pie frente a él, casi podemos imaginar que somos los siguientes en saltar a la piscina. Está lleno de luz e irradia el glamuroso ocio característico de los años sesenta. También hay que destacar que la imagen procede en parte de una fotografía que Hockney descubrió en un libro sobre piscinas. Esto marca el inicio de la fascinación de Hockney por la fotografía, que crecerá y se manifestará en sus obras durante la década de 1980. 

Hockney y los retratos

Mis padres 1977

Mis padres, 1977 Fuentes

Durante la década de 1970, la paleta de colores de Hockney sigue ampliándose. En ella predominan los tonos cálidos y vivos. El color más dominante es el azul con subtonos cálidos. Sigue utilizando los acrílicos para crear composiciones dinámicas pero equilibradas. Durante esta época, Hockney profundiza en su exploración de los materiales transparentes, como el cristal y el agua, así como en un nuevo interés por las texturas de las telas. Comienza a experimentar con el surrealismo, representando sujetos imaginados con un estilo fantástico. 

Esta década se centra en los retratos, que culminan con uno de sus retratos dobles más famosos: "Mis padres" (1977).
En este retrato, la madre de David, Laura Hockney, es retratada con aplomo y gracia, aunque un poco reservada, mientras que su padre, al que le costaba sentarse durante mucho tiempo, está encorvado sobre un ejemplar de "Arte y fotografía" de Erin Scharf, lo que alude a las dos grandes pasiones de Hockney. En el espejo entre los dos sujetos se reflejan dos obras de arte: una de Hockney y una pintura renacentista, un saludo a una de las mayores fuentes de inspiración de Hockney. El espejo es su forma de insertar su presencia en el retrato.

Hockney y la fotografía 

Pearblossom Hwy, 11-18 de abril de 1986

 Autopista Pearblossom. 11-18 Abril 1986/Fuente

Los años 80 marcan la década de la exploración fotográfica en la carrera de Hockney. El artista utilizó las fotografías desde muy temprano en su carrera, pero principalmente como referencias. Al profundizar en su búsqueda artística, comenzó a utilizar la fotografía como medio para crear collages que exploran múltiples puntos de vista y perspectivas en un intento de capturar e imitar la visión humana.

Durante esta década, todo el realismo en el arte de Hockney queda atrás en favor de perspectivas deformadas y una percepción onírica del espacio con composiciones dinámicas. Sus temas son las personas y la arquitectura, y se pueden apreciar las influencias de Picasso y Van Gogh en el uso que hace Hockney del cubismo y las pinceladas onduladas. En los cuadros de esta década, Hockney vuelve a pintar al óleo.

Billie + Audrey wilder, Los Ángeles, abril de 1982

Billie + Audrey Wilder, Los Angeles, Abril 1982/Fuente

El método de Hockney para unificar el cubismo y la fotografía consiste en crear collages de Polaroids, o joiners, como él los llamaba. La obra "Billie + Audrey Wilder" demuestra a la perfección la interpretación que Hockney hace del cubismo: cada Polaroid ofrece una perspectiva diferente, mientras que juntas crean una imagen, aunque un poco desorientada. Hockney explica: "Los Joiners estaban mucho más cerca de la forma en que realmente miramos las cosas, más cerca de la verdad de la experiencia.“ (Fuente)

Otro famoso collage fotográfico de esta década es "Pearblossom autopista", compuesto por no menos de 850 fotografías. Cada objeto se fotografió directamente a la altura de los ojos y luego se colocó en perspectiva.

 

Transiciones a la pintura digital 

Looking at pictures on a Screen, 1977
Mirar imágenes en una pantalla, 1977/Fuente

Durante la década de 1990 y principios de la de 2000, Hockney redujo gradualmente su paleta de colores, experimentando con panorámicas abstractas y algunos estudios de naturalezas muertas, hasta que volvió a pintar principalmente escenas impresionistas de la naturaleza al aire libre. Exploró diferentes movimientos con el pincel para representar cómo cambia la luz durante el día y el cambio de las estaciones. 

Poco a poco, Hockney va ampliando sus cuadros hasta alcanzar un tamaño monumental. Muchas de sus obras de esta época están divididas en hojas de cuatro o seis lienzos. El año 2007 marca la creación de "Bigger Trees Near Warter" "Árboles más grandes cerca de Warter", 2007-11, su mayor obra hasta la fecha, que mide casi 15x40 pies. Este cuadro se compone de 50 lienzos unidos de una manera que recuerda a sus carpinterías de los años 80. El tema es el cambio de las estaciones en su ciudad natal.

Árboles más grandes cerca de Warter, 2007-11

Bigger Trees Near Warter - Árboles más grandes cerca de Warter, 2007-11, 2007-2011/Fuente

Estas dos décadas pueden definirse como el canal de nacimiento hacia el arte digital. En 2010, Hockney comenzó a crear arte digital en su iPhone y iPad. Sus creaciones para el iPhone son principalmente bocetos rápidos, estudios de luz y algunos retratos. El estilo general se caracteriza por las líneas gráficas.

Las creaciones que hizo en su iPad son un poco más profundas, y el estilo se correlaciona bien con las creaciones que hizo en lienzo durante esta década. En ambos medios, podemos ver una ampliación de la paleta de colores y el uso de colores cálidos de nuevo. El rojo y el azul son los tonos dominantes. Los temas principales durante la década de 2010 son la arquitectura y la naturaleza. Utiliza lienzos en forma de hexágono para crear perspectivas irreales. Cada lienzo es una extravagancia de color. Las pinceladas son gruesas y visibles.

Jardín con terraza azul, 2015
Jardín con terraza azul, 2015/Fuente

El arte del iPad de Hockney se desarrolla principalmente en torno a los retratos y al estudio de la luz, la transparencia y las superficies reflectantes. Explora todos los aspectos de este nuevo medio, utilizando diferentes pinceladas. Puntos, líneas suaves y ásperas, y pinceles gruesos y finos se unen para crear pinturas excepcionalmente dinámicas. También podemos ver una exploración de la textura a través del arte digital. Hockney crea texturas muy plásticas y realistas, demostrando que el medio no importa mientras el artista sea lo suficientemente hábil.

Trabaja de la misma manera que cuando utiliza acrílicos, primero colocando bloques de color y luego colocando los detalles con pinceles más finos encima. La principal diferencia entre sus obras acrílicas y digitales es la elección de Hockney del "pincel". En sus obras digitales, muestra unas líneas más gráficas que en el lienzo.

El iPad como medio artístico se adapta al flujo de trabajo de Hockney como un guante. Es fácilmente transportable, lo que encaja bien con su estilo de vida nómada. Al igual que fue uno de los primeros artistas en adoptar la pintura acrílica, ahora está de nuevo a la vanguardia de la exploración artística, convirtiéndose en uno de los primeros artistas de la generación anterior en adoptar y crear arte digital.

Durante el primer año de COVID-19 en Normandía, creó una obra digital de varios paneles que se mostró al año siguiente en una exposición en París. Puedes ver un detalle de la misma aquí:



Detalle de Un año en Normandía 2020-2021

Detalle de "Un año en Normandía " 2020-2021/Fuente

Fuente: Tate, Britannica, Tate kids, Hockney.com

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